Você já se perguntou como uma obra-prima do mundo dos animes como “Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba” foi criada? E não, não foi um surto coletivo, a quantidade enorme de técnologias, esforço e dedicação aplicada na obra foi acima da média até mesmo para o Ufotable resultando em uma qualidade deslumbrante.

Vamos desvendar os segredos por trás do sucesso explosivo dessa série, desde a sua animação impressionante até os detalhes meticulosos da sua produção. Prepare-se para uma jornada pelos bastidores desta incrível produção que encantou fãs de todas as idades e lugares.

Os talentosos Yuichi Terao, diretor de fotografia do departamento de vídeo digital, e Kazuki Nishiwaki, diretor 3D, contam os mistérios e desafios enfrentados durante a criação desse universo tão amado.

Prepare-se para mergulhar nos bastidores e conhecer de perto a magia por trás de “Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba”.

É o mais badalado estúdio de anime dos últimos tempo. (Fim) Brincadeira!

O estúdio começou como um pequeno estúdio liderados por um visionário chamado Hikaru Kondo. A sua primeira era foi marcada por experimentação selvagem e criatividade sem limites. Sob a direção de Takayuki Hirao, o estúdio produziu uma série de obras inovadoras que desafiaram as convenções do anime tradicional. No entanto, o verdadeiro ponto de virada veio com a parceria da Ufotable com a TYPE-MOON para adaptar The Garden of Sinners para os cinemas. Este projeto ambicioso não só elevou o status do estúdio, estabeleceu o estilo visual distintivo da Ufotable mas também definiu o padrão qualidade em que toda a industria almeja.

Atualmente, a Ufotable é reconhecida como um modelo de excelência na indústria da animação. Com uma abordagem centrada na produção interna e uma cultura de colaboração, o estúdio continua a impressionar tanto os fãs quanto os críticos.

Apesar dos desafios ao longo do caminho, a Ufotable permanece fiel à sua visão original de criar animações que transcendem as expectativas e cativam o público em todo o mundo.

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Desvendando a Magia da Respiração da Água.

Em uma conversa exclusiva para a Autodesk, os talentosos Yuichi Terao e Kazuki Nishiwaki nos levam aos bastidores da produção da Respiração da água usada por Tanjiro.

Desde os estágios iniciais de pré-produção, eles mergulham de cabeça na pesquisa e na experimentação para capturar a essência da técnica central do anime.

Terao compartilha a paixão da equipe em entregar uma experiência autêntica aos fãs. Eles não apenas reproduzem fielmente as expressões da obra original, mas também elevam a arte a novos patamares. A utilização da CG permite não apenas criar simulações vívidas, mas também promove uma colaboração intensa entre os membros da equipe.

A respiração da água é uma técnica central no universo de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba, e sua representação visual no anime é muito impressionante.

Nishiwaki revela o segredo por trás da estética impressionante da respiração da água: inspiração no estilo ukiyo-e, uma forma de arte japonesa tradicional.

Ele pesquisou obras de ukiyo-e e criou vários padrões para mostrar aos diretores. Ao pesquisar obras clássicas e experimentar diferentes padrões, eles encontram a combinação perfeita que encapsula a essência do anime.

O Castelo Infinito

No episódio 26, os telespectadores foram apresentados ao impressionante “Castelo Infinito”, uma obra-prima visual que desafia as noções de espaço e perspectiva. Mas como essa maravilha foi criada? Vamos nos aprofundar.

Tudo começa com uma ideia e um storyboard. Na ufotable, conhecida por suas obras visualmente deslumbrantes como “Kara no Kyoukai”, a equipe mergulha de cabeça desde o início.

Terao, responsável pelos storyboards do Castelo de Mugen, compartilha como a equipe incorporou a computação gráfica desde o estágio inicial. Uma prática não tão comum, mas vital para a visão que eles buscavam.

Ao entrar no mundo da CG, é necessário mais do que apenas habilidades técnicas. Iwata, membro da equipe com conhecimentos em arquitetura, desempenhou um papel crucial na modelagem do castelo.

Com mais de 30 versões prototipadas, a equipe enfrentou desafios únicos para criar a ilusão de infinitude.

Mas a magia não para na modelagem. A animação e a direção da cena são fundamentais para transmitir a essência do castelo.

Goso Sato, o mago por trás da câmera, foi o responsável por criar a ação cativante que mantém os espectadores grudados na tela. Uma colaboração meticulosa entre diferentes equipes resultou em uma sequência deslumbrante e imersiva.

Criar algo tão grandioso leva tempo e paciência. Terao revela que alguns cortes podem levar até dois meses para serem concluídos!

E o processo de pesquisa e desenvolvimento é contínuo, buscando constantemente novas formas de expressão e aprimoramento.

Design dos Personagens

Terao nos leva ao mundo dos desenhos de personagens, revelando como cada detalhe, desde os padrões de roupas até os movimentos sutis, é meticulosamente planejado. A equipe de animadores de desenho desempenha um papel crucial aqui, garantindo que cada cena transmita a essência dos personagens de forma impecável.

As roupas do Zenitsu, com o padrão triangular representou um desafio para o design de animação. Os personagens se movem, e por isso os triangulos se movem junto, dentro de um tecido. Mesmo os elementos mais simples, exigem um trabalho meticuloso.

Cada diretor de animação pesquisou como desenhar da forma mais eficiente e criou um manual para cada personagem.

O Desafio da União entre CG e Animação

Em uma discussão sobre a interação entre CG e animação tradicional, Terao e Nishiwaki revelam os desafios únicos enfrentados pela equipe. Desde decidir quando utilizar CG até garantir que a transição entre os dois seja perfeita, cada etapa requer uma cuidadosa consideração.

Nishiwaki preparou algumas imagens de personagens que são completamente CG, ou parcialmente CG, mas o resto é desenhado. Por exemplo, o Demônio Aranha – Irmão Mais Velho.

“Neste caso, o rosto do irmão mais velho de Yume está desenhado e seu corpo é CG. Aqui está um exemplo perfeito de como a equipe de Demon Slayer equilibra habilmente a animação tradicional com os recursos da CG para criar personagens e ambientes convincentes.

É difícil desenhar animais corretamente, e não é apenas sobre personagens humanos! Até mesmo os animais requerem atenção especial. É por isso que muitas cenas que não envolvem personagens principais são criadas usando CG, para garantir que tudo, desde corvos até sinos de vento, ganhe vida de maneira autêntica.”

Nishiwaki complementa dizendo que criar o modelo primeiro contribui tanto para a velocidade quanto para a qualidade do processo de desenho.

“Aqui está a chave para a harmonia entre animação 2D e CG: começar com modelos 3D permite uma compreensão mais profunda das cenas e facilita o trabalho dos artistas na hora de adicionar os toques finais de animação tradicional.”

Terao destacou a eficiência de se começar com um modelo em 3D, permitindo que o trabalho duro comece já a partir de 60%, economizando tempo e recursos. Essa abordagem, segundo ele, é crucial para alcançar alta qualidade sem comprometer o prazo.

Nishiwaki compartilhou insights sobre o processo cuidadoso de decisão, desde a fase inicial de desenvolvimento da direção até as reuniões detalhadas focadas no uso de CG. Ele enfatizou a importância de uma relação de confiança construída ao longo do tempo entre equipes de animação, CG e arte/finalização, destacando que essa parceria é fundamental para superar desafios técnicos e garantir uma produção de qualidade.

A equipe concordou que, no final, somente aqueles envolvidos diretamente na produção podem determinar o melhor equilíbrio entre CG e animação tradicional.

Com uma década de experiência e aprendizado, eles continuam a explorar e aprimorar as melhores práticas para criar uma fusão perfeita entre esses dois mundos distintos da animação.

A colaboração próxima entre os departamentos, sem barreiras entre produção, animação e CG, também foi destacada.

Essa abordagem facilita a comunicação e permite que problemas sejam resolvidos de forma rápida e eficiente, garantindo que a qualidade do trabalho não seja comprometida.

Terao enfatizou o compromisso da equipe em criar um produto que honre os fãs, mesmo que isso signifique enfrentar desafios consideráveis.

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No fim das contas, a produção de Demon Slayer não foi apenas um esforço individual, mas uma colaboração coletiva em busca da perfeição.

Essa mentalidade centrada na equipe foi essencial para superar os obstáculos, adversidade na produção e alcançar os mais altos padrões de qualidade na animação. Esse é o segredo do Ufotable.

Desde seu lançamento em 2016, “Kimi no Na wa”, também conhecido como “Your Name”, tem sido uma sensação global. O filme, dirigido por Makoto Shinkai, não encantou o público só pela sua narrativa cativante, mas também pelo seu visual deslumbrante. Hoje, vamos falar sobre Yoshitaka Takeuchi, que definiu um marco importante na indústria dos animes, desempenhando um papel crucial como diretor de CGI (computação gráfica) na criação de visuais deslumbrantes do filme.

Vamos adentrar nos bastidores dessa obra-prima, e explorar o impacto causado por Makoto Shinkai e o avanço da computação gráfica na indústria dos animes.

“Kimi no Na wa” (Your Name)  é um filme de anime dirigido e escrito por Makoto Shinkai, produzido pelo estúdio CoMix Wave Films e distribuído pela Toho. Lançado em julho de 2016, o filme estreou na Anime Expo em Los Angeles, sendo lançado posteriormente no Japão, em agosto do mesmo ano.

Inspirado em um romance homônimo escrito pelo próprio Shinkai, o filme foi adquirido para distribuição na América do Norte pela Funimation. No Brasil, a Editora JBC anunciou o mangá enquanto a estreia do filme, no Brasil, aconteceu em outubro de 2016, sendo exibido, exclusivamente, pela rede de cinemas Cinemark, em 35 salas de cinema.

“Kimi no Na wa” (Your Name) obteve um sucesso estrondoso na bilheteria japonesa, sendo o filme mais assistido em sua semana de estreia, alcançando a receita de ¥ 930 milhões de ienes. Em apenas três dias, o filme bateu a marca de ¥ 1,277 bilhão de ienes. Na segunda semana, continuou liderando as bilheterias com 867.345 de espectadores e uma arrecadação de ¥ 1,160 bilhão de ienes.

A História

Mitsuha é uma garota do ensino médio que mora na cidade de Itomori, na região montanhosa de Hida, Japão. Entediada com a vida no campo, Mitsuha deseja ter uma vida mais agitada, querendo mudar-se para Tóquio. Com sua avó e irmã mais nova, ela faz kuchikamizake saquê e o leva como oferenda ao túmulo da família, localizado uma montanha fora da cidade.

Do outro lado, temos Taki, um garoto do ensino médio que vive em Tóquio, e que enexplicavelmente, começa, de forma muito recorrente, a trocar de corpo com Mitsuha. Inicialmente, sem saber da existência um do outro, ou se lembrar dos acontecimentos, eles acham que estão apensas sonhando serem outra pessoas, mas percebem que as trocas de corpo não são um ilusão, quando seus amigos e familiares dizem que eles estavam, algumas vezes, agindo de forma muito estranha. Um dia, ambos decidem começar a se comunicar, deixando bilhetes um para o outro. Um dia as trocas param causando curiosidade em Taki sobre o motivo, motivando-o a procurar sobre o povoado de Mitsuha, o que o leva a uma terrível descoberta, que o motiva a ir mais a fundo em suas pesquisas.

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Yoshitaka Takeuchi, o homem por trás do CGI dos filmes de Makoto Shinkai.

Por trás do viusal deslumbrante do filme está uma equipe talentosa de criadores de computação gráfica (CGI), liderada por Yoshitaka Takeuchi, diretor de CGI. Neste artigo, vamos explorar em detalhes o processo técnico envolvido na criação das impressionantes cenas CG do filme, examinando o papel crucial de Takeuchi e sua equipe na produção de uma das animações mais aclamadas dos últimos anos.

Takeuchi está envolvido nos trabalhos do diretor Makoto Shinkai desde seus tempos de estudante! Ele esteve envolvido em “5 Centimeters per Second” e “Your Name”.

O Papel Crucial da Computação Gráfica

É um anime 2D, mas onde o CGI entra? o Sr. Takeuchi nos explica!

Um dos aspectos mais notáveis de “Kimi no Na wa” (Your Name) é o uso inovador da computação gráfica para criar visuais deslumbrantes, e cenas cinematográficas emocionantes.

Sob a liderança de Makoto Shinkai, Yoshitaka Takeuchi e a equipe de produção, utilizaram técnicas avançadas de CG para dar vida às paisagens deslumbrantes e aos momentos de ação emocionantes do filme.

A computação gráfica permitiu que os artistas visuais explorassem novas fronteiras criativas, começando com o Layout (LO) da Cena.

Os storyboards servem como instruções para a produção, pois neles estão incluídos os planos de produção. Esses planos contém muitas informação, como por exemplo, de que maneira os personagens serão colocados e cena, ou de que formar eles irão se mover, bem como os diálogos e os efeitos sonoros daquele determinado corte.

O Layout (LO) é como um modelo para criar a imagem correta com base neste storyboard.

O Layout (LO) é basicamente criado pelo animador, baseado no Storyboad do Diretor Makoto Shinkai. Entretanto,  dependendo da complexidade, e da necessidado do corte, o Layout pode ser criado em CG.

O Layout CG sempre é baseado na Prancha de Design que é feita à mão pela equipe de cenário, com base também no Storyboard.

Um corte de um anime, pode ser considerado como o palco de um teatro. O Layout é a etapa do processo onde projetamos, dentro do corte, como e onde personagens atuarão, dentro de um determinado enquadramento. Podemos simular onde, e que tipo de equipamento de palco (aqui chamados de PROPS) serão colocados, e em que posição os personagens irão “atuar”.

No layout CG, criamos a estrutura do palco, fotografamos com uma câmera e criamos um guia do palco para o animador posicionar os personagens.

As Folhas de Outono

O processo de criação de certas cenas do filme de Makoto Shinkai envolveram um uso meticuloso do espaço 3D.

Sr. Takeuchi explica que, dependendo da cena, ele a constrói totalmente em um ambiente tridimensional no software 3ds Max, movendo a câmera para simular a perspectiva, enquanto desliza diversos objetos, como por exemplo, árvores.

Isso permite a criação de efeitos complexos, como o cenário de folhas de outono que mudam conforme o personagem se move, sem a necessidade de desenhar cada variação manualmente.

Shinkai prefere essa abordagem para alcançar um nível mais alto de realismo, reproduzindo objetos e lugares reais com detalhes precisos. Outra cena destacada é a vista da janela do Shinkansen, criada a partir de um mapa de câmera. São esses cuidados com os detalhes que contribuem para a reputação das obras de Shinkai como visualmente deslumbrantes, e altamente realistas!

Os Desafios e Recompensas

Embora “Kimi no Na wa” (Your Name) tenha sido aclamado, idolatrado por fãs de anime ao redor do mundo, e obtido alta bilheteria, a produção do filme não foi isenta de desafios.

A equipe de produção enfrentou prazos apertados, orçamentos limitados, e a pressão de entregar um produto final de alta qualidade.

No entanto, seu trabalho árduo e dedicação resultaram em um filme que não só superou as expectativas, mas também, estabeleceu um novo padrão de excelência na indústria dos animes.

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“Kimi no Na wa” (Your Name) deixou um legado duradouro na indústria dos animes, inspirando uma nova geração de artistas e cineastas a explorar novas técnicas, e contar histórias envolventes.

Sob a liderança do diretor Makoto Shinkai e o emprego da computação gráfica, o filme não apenas elevou o padrão da indústria dos animes em sua época, mas também abriu novos horizontes para o futuro radiante do nosso querido anime.

À medida que avançamos para uma nova era na indústria dos animes, somos impulsionados pela emoção de contemplar as possibilidades ilimitadas que o futuro reserva, repleto de criatividade e inovação.

A Jornada de Kensuke Yamamoto

Na indústria de anime, por trás das cenas deslumbrantes e dos mundos imaginativos, há artistas como Kensuke Yamamoto, cuja dedicação e experiência moldaram não apenas os visuais, mas também a próxima geração de talentos.

Com mais de 20 anos de carreira, Yamamoto não apenas deixou sua marca em produções notáveis como “Land of the Lustrous” (Houseki no Kuni), mas também se tornou um educador apaixonado na Vantan Game Academy, compartilhando sua expertise em CG e produção de vídeo.

Você sabia que Sr. Kensuke Yamamoto, um renomado artista de efeitos especiais em CG para filmes e séries, começou sua jornada na indústria do entretenimento em 1994, quando fundou a Acquire com seus colegas de escola?

Depois de trabalhar na produção de CG para jogos, ele se tornou freelancer em 1998. Sua carreira decolou em 1999, quando ele contribuiu para o filme “Gamera 3: Awakening of Iris”, e desde então ele tem sido uma figura proeminente na produção de efeitos visuais para filmes, especialmente colaborando em várias produções dirigidas por Shinji Higuchi.

Em 2015, após trabalhar em “Attack on Titan: End of the World”, Yamamoto mudou sua trajetória e atualmente trabalha na Orange Co., Ltd., onde participou de produções de destaque como “Land of the Lustrous”.

Além de suas realizações na indústria cinematográfica, Yamamoto também é um educador talentoso, ensinando expressão visual usando 3ds Max e After Effects na Vantan Game Academy.

Ele também compartilha seu conhecimento através de sua série de artigos intitulada “It’s not scary even for first-timers!! The world of 3DCG” na revista AREA Japan.

Exercício de Animação de Yuki Sugimata, uma aluno do Sr. Kensuke Yamamoto.

O Caminho até o Ensino

Desde os dias de fundação da Acquire em 1994 até seus trabalhos em produções cinematográficas como “Attack on Titan: End of the World”, Yamamoto trilhou um caminho diversificado na indústria.

No entanto, foi em 2003, quando foi abordado para ministrar cursos na Vantan Game Academy, que sua jornada como educador começou. Sua vasta experiência em CG, desde efeitos especiais até animação, o qualificou para guiar os alunos em suas próprias jornadas criativas.

Moldando os Futuros Criadores

No coração dos cursos de Yamamoto está a ideia de que criar CG não é suficiente; saber como mostrá-lo é crucial. Seus alunos aprendem desde os conceitos básicos de iluminação até a produção de vídeos usando ferramentas como 3ds Max e After Effects. Mas Yamamoto vai além, ensinando não apenas as técnicas, mas também a compreensão fundamental da gravidade, inércia e narrativa visual.

Desafios e Progresso

Desde o primeiro ano, os alunos são desafiados a criar animações simples, como o movimento de uma cadeira para “levantar-se” e “pular”. Com o tempo, eles exploram movimentos mais complexos, como caminhar e correr, incorporando emoções e situações para transmitir uma mensagem clara ao espectador. Yamamoto enfatiza que a compreensão dos alunos sobre a física por trás do movimento é essencial para criar animações convincentes.

Além da Técnica

Yamamoto reconhece que a arte vai além da técnica; é a capacidade de transmitir uma história e cativar o público que define verdadeiramente uma animação excepcional. Seus alunos não apenas aprendem a criar imagens visualmente impressionantes, mas também a entender a importância da iluminação, enquadramento e narrativa para elevar seu trabalho ao próximo nível.

Este artigo tem como fonte a materia feita pela Anime News Network.

Explorando os Bastidores do Ufotable: Uma Entrevista com o Diretor de Fotografia, Yuichi Terao.

Na vanguarda da indústria de animes, o Ufotable tem conquistado admiradores em todo o mundo, com suas produções inovadoras e visualmente deslumbrantes. Nesta entrevista dada ao portal ANN, conhecemos melhor o Chefe do Time Digital do Ufotable, e mergulhamos nos bastidores do estúdio com o Sr. Terao, um membro vital da equipe de produção, para desvendar os segredos por trás do aclamado “Fate/Stay Night: Heaven’s Feel I. Presage Flower“.

No Ufotable, a colaboração é a chave mestra da produção. Yuichi Terao, Diretor de Fotografia do Ufotable, revela que não há uma grande divisão entre as seções da equipe, com todos os funcionários trabalhando em conjunto para criar as imagens finais. Essa abordagem colaborativa não se limita apenas ao seu próprio departamento, já que o Sr. Terao, muitas vezes, dá instruções aos colegas, de outras etapas e setores da produção, visando aprimorar a qualidade geral do anime. Isso é muitíssimo importante dentro de uma produção, quanto mais os profissionais estão inteirados de todas as etapas, mais soluções criativas e inovadoras podem surgir.

Primeiramente, precisamos entender a importancia do Time Digital do Ufotable. Essencialmente, é o Departamento de que cuida das etapas Digitais e em CG do estúdio. Dentro de suas atribuições,  e responsabilidades estão, Modelagem 3D, Cenários em CG, Animação, VFX (Efeitos), Filmagem, Composição e Desenvolvimento de Ferramentas.

Aqui podemos ver o Demoreel (demonstrativo) do ano de 2014.

O Departamento Digital possui um peso enorme dentro do estúdio, ocupando, em 2014, praticamente metade do número de colaboradores.

Podemos conferir na imagem abaixo, a divisão interna da sede do Ufotable em Tokyo.

Desafios e Técnicas utilizadas em “Fate/Stay Night: Heaven’s Feel I. Presage Flower”.

Em relação aos desafios enfrentados durante a produção de “Fate/Stay Night: Heaven’s Feel I. Presage Flower“, o Sr. Yuichi Terao destaca o uso extensivo de cenários em 3D. Ele explica que, embora a fusão entre os cenários e a animação computadorizada não tenha sido uma tarefa difícil, foi necessário um ajuste fino e meticuloso para garantir que as imagens ficassem visualmente impressionantes.

O processo de modelagem e iluminação dos cenários em 3D exigiu um tempo considerável, tornando este projeto particularmente desafiador, em termos de gerenciamento de tempo.

Confira um exemplo do processo abaixo

Explorando o Tom Mais Sombrio de “Heaven’s Feel”.

Para transmitir o tom mais sombrio e assustador de “Heaven’s Feel”, o Sr. Yuichi Terao destaca a importância do roteiro, dos storyboards, da animação dos personagens, dos cenários e da música.

Na etapa de composição, ele concentrou-se em criar uma variedade complexa de gradientes nas sombras, proporcionando uma sensação de profundidade e escuridão. Além disso, em cenas iluminadas, ele deliberadamente deixava cantos escuros, intensificando a sensação de escuridão mesmo nos momentos mais claros.

Equilibrando Realismo e Estética do Anime

Quando questionado sobre como o Ufotable faz para equilibrar os efeitos realistas com a estética do anime, o Sr. Yuichi Terao enfatiza que o anime deve manter sua natureza irreal, para ser atraente. Ele acredita que a beleza pode ser exagerada dentro dos cenários e das imagens individuais, para criar uma estética visualmente atraente, que se alinhe com a essência do anime em questão.

Reflexões sobre o Trabalho no Ufotable e Futuros Projetos.

Ao falar sobre sua experiência no Ufotable, Sr. Yuichi Terao descreve o ambiente como desafiador, mas gratificante, com uma cultura de colaboração, onde as conversas informais são frequentes e estimulantes. Ele compartilha suas memórias favoritas de projetos anteriores, destacando a cena de batalha na neve, e a perseguição na autoestrada em “Heaven’s Feel”.

Quanto à possibilidade de dirigir um anime, Sr. Terao expressa interesse, mas enfatiza que o título de diretor não é o aspecto mais importante. Ele acredita que a verdadeira importância está em surpreender e encantar o público, e que o sucesso de um anime é resultado do trabalho conjunto de toda a equipe.

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A entrevista com Sr. Yuichi Terao oferece uma visão fascinante dos bastidores do Ufotable e do processo criativo por trás de “Fate/Stay Night: Heaven’s Feel I. Presage Flower”.

Sua abordagem colaborativa, e a atenção aos detalhes, destacam a dedicação da equipe em alcançar a excelência na animação japonesa.

Aguardamos com expectativas seu próximo projeto no Estúdio  Ufotable, “Demon Slayer – Kimetsu no Yaiba: O Arco do Treinamento dos Hashiras” onde o Sr. Terao retornará como Diretor de Fotográfia, e que com certeza nos trará novas cenas deslumbrantes e memoráveis.

Se você é um entusiasta da animação ou está simplesmente curioso sobre os bastidores do Ufotable e de de outros estúdios de animes, explore mais sobre esses tópicos emocionantes em nosso site, o Sakuga POP, onde a paixão pela arte dos animes ganha vida, de maneira vibrante e inspiradora.

Aqui você confere a entrevista dada ao ANN.

Este artigo tem como fonte a materia feita pela CGWorld Japão.

Konosuba – Fantastic Days, o jogo mobile

“Kono Subarashii Sekai ni Shukufuku wo!”, mais conhecido como Konosuba, é um popular anime baseado em uma WebNovel, já tendo 3 temporadas e um filme produzidos.

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Ele conta a história de de Kazuma Satou, um adolescente japonês que, após uma morte embaraçosa, é reencarnado, com a ajuda da deusa Aqua, em um mundo paralelo com elementos de MMORPG. Kazuma, então, decide levar Aqua consigo em suas aventuras. Juntos, eles se estabelecem na cidade de Axel, e decidem trabalhar como aventureiros para sobreviver. Ao longo do caminho, recrutam outros membros para sua equipe, incluindo Megumin, uma maga especializada em magia explosiva, e Darkness, uma cruzado masoquista e habilidosa com a espada. Embora Kazuma desista, inicialmente, da ideia de derrotar o Rei Demônio, as circunstâncias da vida cotidiana os levam a enfrentar desafios e batalhar contra os generais deste mesmo Rei Demônio.

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Em Fevereiro de 2020 foi lançado como um game mobile pela desenvolvedora Sumzap chamado Konosuba – Fantastic Days. O grupo Axel Hearts, uma unidade de Idols aventureiras da cidade de Axel, apresenta o PV oficial da canção “Cutie Star”.

O PV foi lançado como parte de uma campanha para comemorar os 2,5 anos de lançamento do jogo, e traz Lia (CV: Maki Kawase), Cielo (CV: Karin Isobe) e Erica (CV: Kato) em uma performance ídolo.

A seguir, apresentaremos o making-of em detalhes baseado em um artigo da CG World Japan. Este trabalho utiliza Unity e é expresso em estilo de animação Cel Shading, mas para Sumzap, que desenvolve principalmente jogos 2D, produzir tal PV foi um grande desafio.

O grupo Axel Hearts é original do jogo mobile formado por Lia, Cielo e Erika, que viajam pela região de Axel realizando performances enquanto enfrentam aventuras. Após um ataque que destrói sua carruagem e adereços, elas convencem Kazuma a se tornar seu produtor.

Com sua ajuda, o grupo realiza shows em várias localidades, mas enfrenta problemas, incluindo um troll que interrompe um evento na Capital. Após uma separação temporária de Kazuma, eles se reúnem para competir em um concurso nacional de dança, enfrentando desafios como o sequestro de Lia por Daniel.

Eventualmente, eles vencem o concurso com a ajuda de Lia, recuperando suas memórias. O grupo se torna popular e reconhecido após sua vitória.

As Origens do Projeto

Sumzap, uma empresa conhecida por seus jogos 2D, decidiu se aventurar no mundo da animação 3DCG usando Unity. Inspirados pela popularidade dos personagens Axel Hearts, o projeto do PV “Fantastic Days” foi concebido como uma maneira de celebrar o 2.5º aniversário do lançamento do jogo “Konosuba –  Fantastic Days”enquanto exploravam novas tecnologias.

A partir da esquerda: engenheiro de Unity Keiya Kida, diretor de arte Yuji Nakayama, diretor de CG Kazushi Sakamoto

“Queríamos incorporar a tecnologia 3DCG como uma das armas do Sumzap. Muitos dos gêneros de jogos que manipulamos também utilizam sabores 2D, então pensamos que seria altamente compatível, então decidimos incorporar a tecnologia 3DCG na aparência da animação celular. A ideia por trás deste projeto era pesquisar esta tecnologia”, disse o diretor de arte Yuji Nakayama.

Quando quis avançar em minha pesquisa sobre a tecnologia 3DCG, o tema que me chamou a atenção foi o grupo Axel Hearts, composto por persoonagens originais do jogo com muitos fãs. Ele pensou a posição do grupo como Idols combinaria com o objetivo desse projeto. Desta forma, foi decidido um projeto de produção de um PV para coincidir com a campanha do 2,5º aniversário, ao mesmo tempo que se realizava investigação técnica.

“A premissa é criar um trabalho de vídeo usando Axel Hearts, e eu gostaria de eventualmente considerar incorporá-lo em tempo real. Como a Sumzap é uma empresa de jogos, gostaria de eventualmente incorporá-lo nos jogos. Porém, desta vez decidimos nos concentrar nas técnicas de estilo de animação celular e trabalhamos na produção do PV”, diz Nakayama.

Devido a estas circunstâncias, a equipe de produção deste projeto, que normalmente trabalha no desenvolvimento de jogos separadamente, foi reunida para este trabalho!

Os Desafios Técnicos

A equipe enfrentou diversos desafios, desde a tradução dos adorados personagens 2D para modelos 3D até a criação de expressões faciais e figurinos que se alinhassem ao estilo de animação de célula. O processo de adaptação dos designs complexos para um ambiente tridimensional exigiu criatividade e habilidade técnica.

Modelos

O Modelo de personagem de Erika. Foi criado para desenhar linhas suaves e sem muitos detalhes, dificultando a quebra.

Aliás, Erica se expressa como uma boca de pato, mas em relação a isso, “Não foi tanto a dificuldade de modelar, mas a dificuldade de descobrir quando a boca de pato iria parar. Teria sido estranho se tivesse boca de pato o tempo todo, então tivemos que fazer alguns pequenos ajustes, como afrouxar um pouco a boca de pato neste momento.” Nakayama

Os personagens desta obra dão a impressão de serem quase iguais aos do anime, mas várias melhorias foram feitas para esse fim. Principalmente no que diz respeito à boca, a posição da boca precisa ser ajustada, para criar uma aparência de anime com rosto em semi-perfil, que pode ser controlado por meio de um controlador dedicado.

A imagem à esquerda é antes do ajuste e a imagem à direita é após o ajuste.

No corte onde a face fica diagonal no PV, a imagem é mantida deformando-a até certo ponto.

Expressões de Personagem com o Unity

A essência do estilo de animação de célula foi cuidadosamente capturada utilizando o shader UnityChanToonShader-ver2 como base, complementado pelo efeito Pencil+ para criar contornos nítidos e expressivos. Cada detalhe, desde a iluminação até os movimentos dos personagens, foi ajustado meticulosamente para garantir uma qualidade visual impressionante.

Foram necessárias muitas tentativas e erros antes que eles pudessem desenhar o contorno desejado no Unity, o desenvolvimento tecnológico real leva tempo e demorou cerca de um ano para finalizar essas configurações.

Esse é o look completo das personagens. Não parece diferente da animação. Se você realmente assistir ao PV, verá quão alta é a qualidade.

Inovação e Experimentação

A equipe não apenas enfrentou os desafios técnicos, mas também explorou novas ferramentas e técnicas, como o uso do shader Nova Shader para criar efeitos visuais deslumbrantes. Essa mentalidade de experimentação e inovação resultou em um PV que não só impressiona visualmente, mas também empurra os limites do que é possível dentro do mundo da animação.

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Apesar das realizações impressionantes deste projeto, a equipe da Sumzap vê isso como apenas o começo de sua jornada no mundo da animação 3DCG. Com planos de continuar sua pesquisa e desenvolvimento em direção à renderização em tempo real em dispositivos móveis, a empresa está determinada a continuar desafiando os limites do que é possível na animação digital.

No final da entrevista, quando questionado sobre a resposta a este PV e os desafios futuros, ele respondeu: “Nem sempre fomos uma empresa que produz 3DCG animado em células, então é claro que não acho que isso é o melhor resultado, acho significativo que uma empresa de jogos 2D tenha assumido o desafio do 3D“, disse Sakamoto.

Em resumo, o PV “Fantastic Days” não é apenas uma obra com um visual meticulosamente trabalhado, mas também um testemunho da dedicação e inovação da equipe por trás dele. Com sua mistura única de tecnologia avançada e expressão artística, este trabalho permanecerá como um passo importante para a Sumzap.

Este artigo  é baseado em uma materia  publicada no site oficial do Blender.

Blender 3D: Khara Studio entrando em uma nova era

A indústria de animação está passando por uma revolução tecnológica, e o estúdio Khara está na vanguarda dessa transformação. Em um evento técnico realizado em abril de 2023, membros do Departamento Digital da Color Co., Ltd., incluindo Takashi Suzuki, Masanori Iwasato e Kikitaro Wakatsuki, discutiram a transição do estúdio para o Blender, celebrando o lançamento do “PSOFT Pencil+ 4 Line for Blender“.

PSOFT Pencil + 4 é um software renderização não fotorrealista que pode ser usado como plugin ou aplicação independente para reproduzir a aparência de desenhos manuais com caneta e tinta e lápis de cor, bem como células de animação a partir de um ambiente 3D.

O aplicativo PSOFT® Pencil+® 4 recebe os dados tridimensionais necessários pa retorna o resultado do desenho de linha. Abaixo podemos ver um pouco de suas habilidades.

O estúdio Khara, conhecido por seu trabalho em “Shin Evangelion Theatrical Version”, foi um dos primeiros a adotar o Blender e contribuir para o desenvolvimento do Pencil+ 4 Line for Blender. Mas o que motivou essa mudança?

A transição para o Blender foi uma resposta aos desafios enfrentados pelo estúdio no uso do 3ds Max, como custos elevados e limitações de escalabilidade. Com projetos como “EVANGELION: 3.0+1.0”, cuja escala cresceu além do que era possível com o 3ds Max, o estúdio Khara reconheceu a necessidade de uma solução mais flexível e acessível.

Wakatsuki usa como exemplos o Battleship Missouri e o Air Battleship Wunder, que aparecem na obra, para criar um modelo no 3ds Max, modelo no qual as configurações de linha do 3ds Max foram transferidas para o Blender, usando Pencil+ 4 Bridge, e as configurações iniciais do Blender. Segundo explicação de Wakatsuki, ao mostrar três modelos que renderizam linhas.

“O procedimento para importar materiais é, em primeiro passo, simplesmente exportar os dados do modelo no formato FBX, e importá-los para o Blender. Paralelamente, use a função Bridge do 3ds Max para exportar informações de configuração de linha no formato JSON e, em seguida, importe-as para o Blender.”, diz Wakatsuki. A conversão demorou cerca de 10 minutos.

“Wunder tem tantos materiais que era quase impossível portar manualmente as configurações da linha. As funções do Bridge foram uma grande ajuda.”, diz Wakatsuki.

Hiroyasu Kobayashi, Diretor Geral do Departamento Digital da Khara e Presidente do Studio Q, e Daisuke Onitsuka, Diretor de CGI do Departamento Digital da Khara, explicaram que o custo do 3ds Max estava se tornando um obstáculo para a produção eficiente de animação.

Com uma equipe de 20-30 pessoas, os altos custos de assinatura do 3ds Max se tornaram financeiramente inviáveis, especialmente ao colaborar com empresas parceiras menores.

Sobre o Blender 3D

O Blender, também chamado de Blender 3D, é um software de código aberto desenvolvido pela Blender Foundation, abrangendo modelagem, animação, texturização, composição, renderização e edição de vídeo. É multiplataforma e oferece ferramentas avançadas de simulação, modelagem baseada em modificadores, animação de personagens, composição nodal, edição de imagem e vídeo, e suporte a Python. Suporta 36 idiomas e tem sido adotado cada vez mais por estúdios grandes.

A ferramenta “Grease Pencil” foi um “game changer” para o estúdio.

A mudança para o Blender ofereceu uma solução econômica e eficaz para o estúdio Khara. Como um software de código aberto, o Blender é gratuito e oferece funcionalidades comparáveis às de outras ferramentas de animação 3D. Além disso, o recurso Grease Pencil do Blender foi fundamental para o estúdio Khara, permitindo que os animadores desenhassem diretamente em espaço 3D, reduzindo a necessidade de rigging complexo e agilizando o processo de produção.

Grease Pencil 2D dentro do 3D

O Grease Pencil do Blender 3D se destaca por sua versatilidade artística, oferecendo ferramentas para desenhar e animar em 2D em ambiente 3D, permitindo aos artistas criar desde simples esboços até animações complexas.

Integrado perfeitamente ao fluxo de trabalho do Blender, ele permite a combinação intuitiva de elementos 2D e 3D em uma única cena. Com controle total sobre traços, cores e outras propriedades, os usuários podem expressar sua criatividade com facilidade. Além disso, possui recursos avançados de animação que tornam o processo mais eficiente, como ferramentas de interpolação e manipulação de quadros-chave. Por fim, facilita a colaboração entre artistas, permitindo o trabalho simultâneo em projetos usando o Grease Pencil em tempo real.

Takumi Shigyo, do Departamento de Produção do Studio Q, destacou a crescente popularidade do Blender entre os animadores, citando sua curva de aprendizado suave e sua capacidade de preencher a lacuna entre o 3ds Max e o Blender.

Além disso, a Khara estabeleceu uma parceria com a Blender Foundation, contribuindo para o Fundo de Desenvolvimento do Blender, como membro corporativo. Essa colaboração não só fortalece o relacionamento entre a Khara, e a comunidade Blender, mas também oferece oportunidades para influenciar o desenvolvimento futuro do software.

Transição e Implementação

Embora a transição completa para o Blender esteja em andamento, o estúdio Khara já começou a integrar o Blender em seus fluxos de trabalho, realizando testes preliminares e criando cortes do “EVANGELION: 3.0+1.0” com o software. Eles estão confiantes de que o Blender será uma parte essencial de seus projetos futuros, ajudando-os a continuar produzindo animações de alta qualidade de maneira eficiente e acessível.

A transição do Estúdio Khara para o Blender marca o início de uma nova era na produção de animes. Esta mudança não apenas reflete uma resposta aos desafios enfrentados com software proprietário, mas também representa um compromisso com a inovação e a colaboração na indústria de animação. Ao abraçar o Blender, o estúdio Khara não só encontrou uma solução econômica e eficiente, mas também está liderando o caminho para uma nova abordagem na criação de obras incríveis.

Com sua expertise e visão, estão pavimentando o caminho para o Blender se tornar o futuro dos softwares 3D na produção de animes, impulsionando a qualidade e acessibilidade de projetos animados de alta qualidade.

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Explorando os Bastidores da Computação Gráfica no Anime “Pole Princess”.

No vasto universo dos animes, a integração de tecnologia de ponta desempenha um papel crucial na criação de experiências visuais imersivas e envolventes. Graças ao trabalho pioneiro de diversos artistas, temos tido uma evolução sem precedentes nos últimos anos, na área da computação gráfica utilizada em animes.

Um exemplo brilhante dessa fusão, entre arte e tecnologia, pode ser encontrado no anime “Pole Princess”. Produzido pelo estúdio Tatsunoko Production, este anime cativou o público com sua a qualidade excepcional de sua computação gráfica. Hoje vamos falar como o time da Tatsunoko desenvolveu novas técnicas para superar as adversidades desses anime tão desafiador das jovens dançarinas de pole dance.

O Artigo de hoje é baseado na excelente matéria de três partes publicada pela CG World Japan.

Pole dance supervision

KAORI ( STUDIO TRANSFORM )

Animation production

Tatsunoko Productions

Original work

Avex Pictures
Tatsunoko Productions

Distribution

Avex Film Labels
poleprincess.jp

Captura de Movimento: Elevando a Autenticidade

Um dos elementos-chaves, que elevaram “Pole Princess” a um novo patamar, foi a utilização da técnica de captura de movimento. Essa abordagem permitiu que os animadores capturassem a essência dos movimentos humanos, e ao incorporar a performance de atores reais, a equipe de produção conseguiu infundir uma energia dinâmica em cada cena.

Em entrevistas, membros da equipe destacaram como essa técnica trouxe uma autenticidade surpreendente aos movimentos dos personagens. Desde os movimentos graciosos de dança, até os gestos sutis de expressão facial, cada detalhe foi cuidadosamente refinado, para garantir uma experiência visual verdadeiramente imersiva para o público.

Criando soluções para corrigir a incongruência causada pela rotação

No contexto do pole dancing, onde o movimento é caracterizado por uma rotação inercial vigorosa, o ponto de contato com o poste tende a se desalinhar à medida que a rotação se intensifica. Mesmo com a utilização simultânea do MVN Link e do HTC Vive, a equipe não conseguia corrigir, com precisão, os desvios rotacionais de 360 graus, ao ajustar a posição da camada.

No entanto, o designer de CG, Ito, observou:

“Ao fixar o poste no eixo, é possível criar um círculo regular. Foi, então, que percebi que estava desenhando.“

Para enfrentar esse desafio, desenvolvemos uma ferramenta baseada em script denominada “Move Biped Point”, que capacita os operadores a definir o ponto de contato com o poste, e a modificar a posição do bipede, de modo que, esse ponto se torne o centro de rotação, corrigindo o desalinhamento de maneira eficaz.

Deformação do Quadril e Morphs para ajustar a Pele

Quando se trata de dança de Idols, a área de falha mais notável está ao redor dos ombros, mas no pole dancing, as articulações do quadril também têm uma ampla gama de movimentos. O que gera naturalmente, mais erros no Rig do personagem.

Para resolver este problema, um morph (modificador de morfologia) foi aplicado em áreas onde tais rupturas são mais perceptíveis.

“A articulação do quadril estava mais dobrada do que eu esperava, então, dependendo da situação, adicionamos animação de vértice para corrigi-la. Isso foi descoberto e resolvido durante a produção do curta de animação, e não da versão cinematográfica.”, Otobe.

Passe as imagens abaixo para ver o antes e depois.

O Pesadelo da dança dupla

No anime há uma performance de duplas, em que a personagem Sana Shifuji desce em um “anel” criado pela personagem Yukari Mikoshiro, com seus membros esquerdos. Nesse tipo de atuação há muito contato entre os personagens, por isso foi difícil resolver a situação.

Em termos de Workflow, o figurino veio antes da dança, então era impossível ajustar o figurino para combinar com os movimentos da dança, e mesmo que você tentasse consertar com a composição, seria extremamente difícil porque a sobreposição da próxima camada mudaria.

Portanto, decidimos evitar o contato encurtando gradativamente o comprimento da saia de Sana e da jaqueta de Yukari próximo à superfície de contato. Como a performance é executada em rotação, a expressão é finalizada sem parecer deslocada.

O Mastro e a Saia

A dança da personagem Mio Higashisaka, em que ela tem a saia fechada, para criar um estilo sereia, envolve movimentos como beliscar postes e cruzar as pernas, o que pode facilmente gerar erros das malhas entrando uma na outra.

Como podem ver pelo design da personagem pelas imagens abaixo, todas as cenas envolvendo a personagem foram um grande desafio.

Como não foi possível evitar todas as falhas apenas com o setup do RIG, foram feitas correções para cada corte.

“De acordo com o movimento da dança, corrigi cada parte em etapas. Para criar uma forma bonita, não tentei fixá-la com as mãos, mas sim modelei a forma final separadamente. Trabalho de colocá-la na base e encaixá-la manualmente.” Akira Hiraizumi –Designer CG

Efeitos Visuais Deslumbrantes: Criando um Mundo Vibrante

Outro aspecto impressionante da computação gráfica em “Pole Princess” foram os efeitos visuais deslumbrantes. A equipe de efeitos visuais utilizou uma variedade de ferramentas avançadas, como FumeFX para simular chamas, Cloth Modifier para criar efeitos de tecido e MassFX para controle de objetos em movimento, para dar vida ao mundo vibrante do anime.

Esses efeitos não apenas acrescentaram uma camada de realismo às cenas de ação, mas também ajudaram a criar uma atmosfera visualmente envolvente que imergiu completamente o espectador na narrativa. Desde explosões espetaculares até sutis nuances de movimento, cada efeito foi meticulosamente projetado para complementar a história e a estética geral do anime.

Composição de Ambientes: Criando Mundos Fantásticos

A composição de ambientes em “Pole Princess” também merece destaque. Os artistas de computação gráfica dedicaram tempo e esforço significativos, para criar mundos visualmente deslumbrantes, que servissem como cenários perfeitos, para a narrativa do anime. Desde cidades cintilantes, até cenários subaquáticos exuberantes, cada ambiente foi elaborado com um nível impressionante de detalhes, e texturas, proporcionando um pano de fundo rico, e envolvente para as aventuras dos personagens.

Durante o filme, há um corte que deveria ser impressionante! Trata-se de um corte do show ao vivo da personagem Mio Tosaka, onde ela desce de um poste, com as pernas apontando para cima, simulando ser uma sereia afundando no fundo do oceano.

Usando a neblina ambiental do V-Ray, os artistas criaram a ilusão de luz vazando do teto, que lembra a superfície do oceano.

“Há uma frase na letra, “Vamos nos tornar uma bolha comigo”, e esse é o motivo. É uma imagem levemente hipnotizante, como ser cativado por uma sereia e ser levado para outra dimensão. Kunitake-kun adivinhou. estava falando durante a coreografia e criou o material com a respiração da Tia antes de encomendá-lo.”, Otobe.

Acima temos a imagem final composta no After Effects, em seguida os render rass da personagem Mio Tosaka, a máscara e o por fim, o cenário.

O Papel da Equipe de CG: Alcançando a Excelência

Por trás de cada cena e efeito visual de “Pole Princess” está uma equipe talentosa e dedicada de artistas de computação gráfica. Desde modeladores 3D até animadores e artistas de efeitos visuais, cada membro da equipe desempenhou um papel vital na criação deste anime inovador. Seja na criação de personagens cativantes, na elaboração de ambientes deslumbrantes ou na produção de efeitos visuais espetaculares, cada contribuição foi fundamental para o sucesso do projeto.

A equipe de arte criou um design aproximado e o designer de CG completou a imagem frontal como um quadro de arte. As texturas criadas nesta época também foram utilizadas no modelo CG. Além disso, as partes que muitas vezes não são vistas pela câmera são compostas por texturas para diminuir a carga de trabalho. Foram feitos cerca de 6 palcos diferentes.

Conclusão: A contribuição de Pole Princess!! Futuro dos Animes

Em última análise, “Pole Princess” não é apenas um exemplo impressionante da evolução da tecnologia de computação gráfica na animação, mas também um testemunho do poder da criatividade humana. Com sua combinação de tecnologia avançada e narrativa envolvente, este anime continua a cativar e encantar espectadores de todas as idades.

À medida que avançamos para o futuro, podemos esperar ver ainda mais inovações emocionantes na interseção entre arte e tecnologia no mundo dos animes,cada desafio superado abre portas para novas produções ainda mais desafiadoras. Com certeza a expertise adquirida na produção desses cortes extremamente complexos e ousados está pavimentando a estrada da produção de animação para novos horizontes.

Uma grande salva de palmas a toda a equipe da Tatsunoko Productions que se dedicou e superou seus limites para nos entregar essa obra.